Por otro lado nos habla de la manera en como las fotografías emblemáticas construyen la memoria visual y colectiva como referentes de momentos coyunturales que cambian el curso de la historia.

Si bien la difusión masiva y el uso mediático de esta fotografía se limita al territorio mexicano, su impacto es innegable en la historia del fotoperiodismo nacional y constituye un referente en la obra de Valtierra, tanto a nivel informativo como en la trayectoria de su autor.

Como en otras ocasiones el fotógrafo siguió a su objetivo y disparó tratando de obtener una imagen que sintetizara el momento clave de aquel día. Para esto Valtierra persiguió al convoy desde su ingreso por el costado derecho del encuadre, cruzando la plaza frente al Palacio Nacional para salir por el flanco izquierdo, dejando tras de sí la Catedral de Managua.

Antes y después de la toma adecuada hay otros negativos que no resaltan los elementos claves de la toma, la bandera ondeante, los brazos en alto de los jóvenes y el edificio del gobierno. Estos pequeños detalles son claves en la selección del material enviado a México la noche previa a su publicación.

Si a esto se añade una buena edición que enfatiza el punto focal del encuadre, el resultado es una imagen con fuerza compositiva y contenido noticioso que resume la información, convirtiéndola en editorial gráfico.

Uno de ellos capta el momento previo al disparo afortunado. Aquél que conjuga los elementos necesarios para convertir un registro en ícono. Información y composición son claves para lograr el impacto visual necesario para convertirla en una buena fotografía de prensa. Existen imágenes que se convierten en iconos, reflejo de un momento coyuntural, estandarte de una guerra, símbolo de una región o una causa, que se identifican con un pueblo.

Sin duda son memoria visual de la humanidad. Si bien la secuencia de aquél 19 de julio no ha logrado convertirse en emblema de la revolución sandinista a nivel mundial, su impacto en México es indiscutible.

La decisión de publicarla en primera plana le dio la visibilidad necesaria para ser uno de las divisas del trabajo de Valtierra en Nicaragua — Idalia y El Balazo comparten este lugar en el archivo del fotógrafo- y de la cobertura periodística de Unomásuno.

Sin duda el disparo afortunado que se publicó, muestra el ojo entrenado de su autor tanto para esperar y construir la imagen como para elegir la que sintetizara toda la información generada aquél día.

Nació el 6 de diciembre de en Alemania y falleció el 23 de agosto de en Estados Unidos. Eisenstaedt trabajó para la revista Life durante más de 50 años y fue reconocido por capturar momentos icónicos de la historia, como la famosa fotografía del beso en Times Square durante la celebración del fin de la Segunda Guerra Mundial.

A pesar de ser conocido principalmente por su trabajo en blanco y negro, Eisenstaedt también incursionó en la fotografía en color y fue uno de los primeros en adoptar esta técnica en el periodismo.

Eisenstaedt era reconocido por su habilidad para capturar emociones y expresiones espontáneas en sus fotografías. A menudo se le atribuye la frase "cuando veas algo interesante en un visor, simplemente presiona el obturador".

Además de su trabajo en la fotografía periodística, Eisenstaedt también retrató a numerosas celebridades y personalidades importantes de la época, como Albert Einstein , Marilyn Monroe, Fidel Castro y Winston Churchill.

Las Mejores 30 Frases De Alfred Eisenstaedt Con Foto. Alfred Eisenstaedt Introducción. Alfred Eisenstaedt fue uno de los fotoperiodistas más influyentes del siglo XX. Nacido el 6 de diciembre de en Dirschau, Prusia, Eisenstaedt comenzó su carrera en la fotografía a una edad temprana y rápidamente se convirtió en un fotógrafo destacado en su país natal.

En , emigró a los Estados Unidos, escapando del régimen nazi en Alemania. Fue en Estados Unidos donde realmente floreció como fotógrafo y se convirtió en uno de los principales colaboradores de la revista Life. Su estilo característico se basaba en capturar momentos íntimos y espontáneos, mostrando la humanidad en sus imágenes.

Durante la Segunda Guerra Mundial , Eisenstaedt se convirtió en el fotógrafo de la revista Life en el frente europeo, documentando los horrores de la guerra y capturando momentos emblemáticos como la famosa fotografía del beso en Times Square al final de la guerra.

A lo largo de su carrera, Eisenstaedt fotografió a algunas de las personalidades más destacadas del siglo XX, incluidos líderes políticos, celebridades y artistas.

Sus retratos siempre mostraban una especie de intimidad y mostraban la personalidad única de cada individuo. La influencia de Eisenstaedt en el mundo de la fotografía es indiscutible.

Su habilidad para capturar la esencia de un momento en una sola imagen, su atención al detalle y su enfoque en la humanidad han dejado un legado duradero en el campo de la fotografía.

A través de sus imágenes, pudo contar historias y transmitir emociones de una manera que solo un verdadero artista puede lograr. Alfred Eisenstaedt continuó fotografiando hasta su muerte en , dejando un legado duradero en el mundo de la fotografía.

Sus imágenes siguen siendo admiradas y estudiadas hasta el día de hoy, y su influencia en el arte de la fotografía perdurará para siempre. Una fotografía captura un momento que de otra manera se perdería para siempre. Explicación La cita de Alfred Eisenstaedt "Una fotografía captura un momento que de otra manera se perdería para siempre" encapsula perfectamente el poder y la importancia de la fotografía.

A través de la lente de una cámara, somos capaces de detener el tiempo y capturar un instante fugaz que se desvanecería en el olvido si no fuera por esa imagen. Cada fotografía nos transporta a un momento único y nos permite revivir emociones, recordar momentos especiales o incluso comprender más sobre el mundo que nos rodea.

La fotografía congelada en una imagen se convierte en un vínculo tangible con el pasado, preservando la belleza y fragilidad de la vida en un recuerdo duradero.

La cámara es un instrumento que enseña a la gente a ver sin cámara. Explicación La famosa cita de Alfred Eisenstaedt revela la esencia misma de la fotografía como una forma de arte y comunicación. A través de estas palabras, se resalta el poder transformador que tiene la cámara al permitirnos capturar momentos únicos y preciosos de la realidad.

Sin embargo, Eisenstaedt nos invita a pensar más allá de la herramienta misma y nos muestra cómo la cámara es capaz de enseñarnos a observar el mundo de una manera más detallada y significativa.

Nos insta a ir más allá de la superficie y a descubrir las múltiples capas de belleza y significado que se encuentran en cada escena o persona que capturamos. En definitiva, nos invita a entrenar nuestra mirada y aprender a ver el mundo con los ojos del fotógrafo, incluso cuando no tengamos una cámara en nuestras manos.

La fotografía es una forma de sentir, de tocar, de amar. Lo que se ha capturado en la película dura siempre El recuerdo. Explicación La cita de Alfred Eisenstaedt nos invita a reflexionar sobre el poder atemporal de la fotografía.

Para él, la fotografía va mucho más allá de simplemente capturar una imagen, es una manera de sumergirse en las emociones, de conectar con el mundo que nos rodea y de expresar el amor que sentimos por las cosas que nos conmueven. Es un medio que tiene la capacidad de eternizar momentos y recuerdos, ya que lo que se ha capturado en una película fotográfica siempre estará ahí, guardando la magia de aquel instante irrepetible.

La fotografía se convierte así en un tesoro invaluable que nos permite revivir y conservar los recuerdos más preciados de nuestras vidas. La fotografía es una ventana abierta a través de la cual se puede observar el mundo.

Explicación La cita de Alfred Eisenstaedt "La fotografía es una ventana abierta a través de la cual se puede observar el mundo" captura perfectamente la esencia y el poder de esta forma de arte.

Una fotografía nos permite asomarnos a la realidad y adentrarnos en diferentes escenarios, momentos y culturas. A través de una imagen, podemos contemplar la belleza de un paisaje, la expresión de una emoción o la cruda realidad de una situación. La fotografía nos regala la oportunidad de ver y comprender el mundo desde diferentes perspectivas, y al mismo tiempo nos invita a reflexionar sobre nuestra propia existencia y relación con el entorno.

Es a través de esa ventana abierta que la fotografía nos revela la complejidad y diversidad de la vida, convirtiéndose así en una poderosa herramienta para despertar emociones, transmitir mensajes y contar historias.

Lo más importante que se puede aprender en la fotografía es a ver. Explicación La cita de Alfred Eisenstaedt "Lo más importante que se puede aprender en la fotografía es a ver" resume a la perfección la esencia de esta disciplina artística.

A través de sus palabras, el célebre fotógrafo nos invita a indagar más allá de lo evidente y a entrenar nuestros ojos para captar los detalles ocultos en la cotidianidad. Nos incita a desarrollar una mirada curiosa y atenta, capaz de encontrar belleza en lo ordinario y de transmitir emociones a través de la imagen capturada.

La habilidad de ver nos permite apreciar los sutiles cambios de luz, los gestos espontáneos, los paisajes que se transforman y las emociones fugaces que rodean cada instante. La fotografía se convierte así no solo en una técnica, sino en una forma de percibir el mundo, de capturar la esencia de lo que está frente a nosotros y de transmitirlo al observador.

El mundo está lleno de momentos mágicos esperando a ser capturados. Explicación La célebre frase de Alfred Eisenstaedt, uno de los grandes maestros de la fotografía, nos invita a abrir nuestros ojos y ser conscientes de la infinidad de momentos mágicos que nos rodean.

En un mundo vertiginoso y lleno de distracciones, tendemos a perder la capacidad de apreciar la belleza que nos rodea. Sin embargo, si aprendemos a detenernos y observar con atención, descubriremos que cada instante puede convertirse en un fragmento de magia que merece ser capturado.

Ya sea un atardecer de colores intensos, una sonrisa sincera o el delicado movimiento de una hoja al caer, cada uno de estos momentos efímeros nos ofrece la posibilidad de preservar y revivir su encanto a través de la fotografía.

De esta manera, Eisenstaedt nos recuerda que la magia está presente en cada esquina, esperando ser inmortalizada. La fotografía es la única forma de detener el tiempo. Explicación La famosa cita de Alfred Eisenstaedt, "La fotografía es la única forma de detener el tiempo", encapsula a la perfección la magia y el poder de la fotografía.

A través de una imagen, somos capaces de capturar un momento en el tiempo y preservarlo para siempre. La fotografía nos brinda la capacidad de congelar momentos fugaces, de eternizar emociones y de revivir experiencias pasadas. Es una forma de inmortalizar recuerdos y de comunicar historias sin necesidad de palabras.

Cada fotografía tiene la capacidad de transportarnos a un instante del pasado y de hacernos revivir todas las emociones vinculadas a ese momento. En un mundo en constante movimiento, la fotografía nos permite detenernos por un instante y admirar la belleza y la singularidad de cada momento.

Una buena fotografía se toma con el corazón, no con la cámara. Explicación La famosa cita de Alfred Eisenstaedt, "Una buena fotografía se toma con el corazón, no con la cámara", nos invita a reflexionar sobre la esencia de la fotografía como arte.

Más allá de las especificaciones técnicas y del equipo utilizado, lo que realmente marca la diferencia en una fotografía es la capacidad del fotógrafo para transmitir emociones y capturar momentos únicos.

Eisenstaedt nos recuerda que la clave para lograr una buena fotografía es conectarse con el sujeto y captar su esencia desde el corazón, plasmando así sentimientos y narrativas que trasciendan el mero acto de apretar el obturador.

Su cita nos insta a ir más allá de lo técnico y a buscar la verdadera esencia de lo que queremos contar a través de nuestras imágenes. Y hasta cierto punto es así porque hacia la mitad de los 70 se exasperan las posiciones que se han ido gestando a lo largo de décadas anteriores y al final parece que lo importante no es siquiera el proceso, sino la intencionalidad última.

Más información , sólo que entonces desactivado, convertido en un producto de mercado. Pero pasarán sobre todo a la historia como los años en que se vuelve al objeto artístico vendible después de las experimentaciones de los primeros En todo caso, desde la perspectiva actual se tiene la impresión de que una buena parte de la producción si no más interesante -"interesante" es ahora una categoría estética que sustituye a las clásicas como lo bello o lo sublime-, al menos más eficaz y más popular, usa la foto como medio, tal vez debido al ascenso de esa clase de la que, tanto se habló -los yuppies-, con un cierto poder adquisitivo y sin excesiva información, que creía en el arte como moda y en la vida como espectáculo y que, fascinada por la técnica, veía en la foto un territorio para explorar y poseer.

Buena parte del arte en los 80 ha utilizado la fotografía como medio, poniendo sobre el tapete algunas de las contradicciones del discurso de la Historia del arte.

El caso paradigmático a partir del cual se ha ido conformando el gusto europeo de los 80 -el americano, naturalmente- planteaba además a la crítica un primer y grave problema de denominación: ¿eran artistas o fotógrafos?

Ante la foto de una performance o una instalación podemos preguntarnos cómo funciona. Los artistas americanos de los 80 usaban la foto con las mismas implicaciones pero la convertían en producto vendible, en obra de arte física y de ahí surgía el malentendido. La foto de las obras del transcurso de los 70 -performances, happenings El happening: el cuerpo como marco El happening es una forma de arte relacionada con la teatralidad, con un modo de representación donde el factor tiempo es determinante.

El espíritu de este modo o forma de entender el arte se opone, en primer lugar, al constreñimiento del marco y, en segundo lugar, también a la división de las artes en territorios estancos. En los happenings se quería flirtear con el azar, con lo inesperado, animar al público a desencadenar lo inesperado con su aquiescencia o su indignación y, aunque poco a poco se irían convirtiendo en performances, establecerán esa posibilidad de obra de arte total deslizada por el tiempo que influirá a las siguientes generaciones.

Más información , acciones, etc. Los artistas americanos de los 80 hacen fotos del transcurso con implicaciones de obra de arte, vendible además, y que luego desarrollan los europeos.

Por otra parte esa fotografía de los 80 debía mucho a la documental que vimos iba apareciendo con personajes como Robert Capa y resulta curioso que un fotógrafo bastante hetedoroxo en temas y tratamientos como Wiliam Wegman , quien disfraza obsesivamente a su perro Man Ray y le fotografía, haya declarado que sus fotos preferidas son las de Lartigue y las del Vietnam: "Ambas son dos versiones diferentes de fotografía documental".

O no tan curioso teniendo en cuenta cómo en la fotografía documental el ojo, la cámara, toma el papel de agresor, de intruso en las vidas ajenas, algo que la fotografía artística más canónica obvia en un proceso cuidadoso. La idea del fotógrafo como intruso es algo que retoman los artistas de los 80, llevándolo a sus máximas consecuencias, convirtiéndose incluso en intrusos de sus propias vidas inventadas.

De cualquier manera, tomar como punto de partida el medio utilizado para clasificar como "grupo" a un conjunto de artistas que tienen poco en común formalmente plantea muchos problemas. Nombres como James Welling, Lorna Simpson, Louise Lawler, Richard Prince, Barbara Kruger, Cindy Sherman o William Wegman se presentan tan dispares, al menos desde un punto de vista formal y hasta de estrategias, que resulta muy complicado verlos como grupo compacto.

Momento de triunfo. Libre de derechos Foto de Stock. Momento de triunfo. Persona triunfante con los brazos levantados. Download preview. DESCARGA GRATUITA Características: absorción de luz, peso ligero, no reflectante. Uso: cualquier fotografía profesional o privada para adultos, niños, recién nacidos, retratos Capturando momentos de triunfo y celebración. ¿Listo para inmortalizar tu próxima gran aventura? Contáctanos para reservar tu sesión fotográfica

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En otro estudio similar, le pidieron a las personas que recorran un museo sacando o no sacando fotos, pero agregaron otra opción: en algunos casos tenían que sacarle fotos a ciertos detalles del objeto, haciendo zoom.

Al tener que fijarse en los detalles, pensar mejor el encuadre, hacer zoom, las personas parecían registrar mucho más de lo que estaban viendo, que cuando simplemente hacían click sin prestar tanta atención. La cámara no sólo puede tener efectos sobre nuestra memoria.

También puede hacer que nuestras experiencias sean distintas. Cuando vamos por el mundo con una cámara, estamos prestando más atención a los estímulos visuales y eso puede hacer que se nos pasen un montón de otras cosas.

Nuestro cerebro es limitado, y si estamos buscando qué fotografiar, nos abstraemos de otros estímulos. Así lo mostró un estudio en el que a algunas personas les permitían visitar una exposición con su celular para sacar fotos y a otras no, pero esta vez mientras lo hacían escuchaban una audioguía.

En este caso encontraron que tener la cámara podía ayudar a mejorar la memoria visual, pero hacía que recordaran menos lo que escuchaban. Enfocarnos en lo visual nos quita capacidad de registrar otras cosas. Y todo esto no quiere decir que tenemos que dejar de sacar fotos y registrar lo que vemos.

De hecho, hay algunos estudios que muestran que sacar fotos incluso puede ayudarnos a disfrutar más de una experiencia, el efecto que puede tener sobre nosotros depende de muchos factores.

Y uno muy importante es para qué estamos sacando la foto. Una cosa es fotografiar porque vimos algo que nos gustó, porque nos divierte o porque queremos recordar el momento. Una muy distinta es sacar fotos para compartir, es decir pensar no sólo en cómo fijar el momento sino en cómo vamos después a mostrar esa foto a otros, lo más probable, en redes sociales.

Ahí sí nuestro disfrute del momento puede caer bastante. Al menos así lo vieron en un estudio en el que le hacían encuestas a personas que se estaban sacando una foto junto a un punto turístico, y les preguntaban cuánto les había gustado la experiencia, si la recomendarían y para qué estaban sacando la foto, para sí mismos o para compartirla.

Cuando la foto era para compartir después, el nivel de satisfacción era más bajo. Probablemente empezamos a querer buscar el ángulo perfecto, fijarnos más en cómo salimos y la pensamos más como una forma de proyectar nuestra imagen que de vivir la experiencia.

Y eso puede afectar cuánto la disfrutamos. Este referente nos permite rastrear la cultura visual que alimenta la obra de Valtierra y la importancia e influencia de ciertos iconos en su trabajo como parte de su capital cultural.

Por otro lado nos habla de la manera en como las fotografías emblemáticas construyen la memoria visual y colectiva como referentes de momentos coyunturales que cambian el curso de la historia. Si bien la difusión masiva y el uso mediático de esta fotografía se limita al territorio mexicano, su impacto es innegable en la historia del fotoperiodismo nacional y constituye un referente en la obra de Valtierra, tanto a nivel informativo como en la trayectoria de su autor.

Como en otras ocasiones el fotógrafo siguió a su objetivo y disparó tratando de obtener una imagen que sintetizara el momento clave de aquel día. Para esto Valtierra persiguió al convoy desde su ingreso por el costado derecho del encuadre, cruzando la plaza frente al Palacio Nacional para salir por el flanco izquierdo, dejando tras de sí la Catedral de Managua.

Antes y después de la toma adecuada hay otros negativos que no resaltan los elementos claves de la toma, la bandera ondeante, los brazos en alto de los jóvenes y el edificio del gobierno. Estos pequeños detalles son claves en la selección del material enviado a México la noche previa a su publicación.

Si a esto se añade una buena edición que enfatiza el punto focal del encuadre, el resultado es una imagen con fuerza compositiva y contenido noticioso que resume la información, convirtiéndola en editorial gráfico. Uno de ellos capta el momento previo al disparo afortunado.

Aquél que conjuga los elementos necesarios para convertir un registro en ícono. Información y composición son claves para lograr el impacto visual necesario para convertirla en una buena fotografía de prensa. Existen imágenes que se convierten en iconos, reflejo de un momento coyuntural, estandarte de una guerra, símbolo de una región o una causa, que se identifican con un pueblo.

Sin duda son memoria visual de la humanidad. Si bien la secuencia de aquél 19 de julio no ha logrado convertirse en emblema de la revolución sandinista a nivel mundial, su impacto en México es indiscutible. La decisión de publicarla en primera plana le dio la visibilidad necesaria para ser uno de las divisas del trabajo de Valtierra en Nicaragua — Idalia y El Balazo comparten este lugar en el archivo del fotógrafo- y de la cobertura periodística de Unomásuno.

Más información , acciones, etc. Los artistas americanos de los 80 hacen fotos del transcurso con implicaciones de obra de arte, vendible además, y que luego desarrollan los europeos. Por otra parte esa fotografía de los 80 debía mucho a la documental que vimos iba apareciendo con personajes como Robert Capa y resulta curioso que un fotógrafo bastante hetedoroxo en temas y tratamientos como Wiliam Wegman , quien disfraza obsesivamente a su perro Man Ray y le fotografía, haya declarado que sus fotos preferidas son las de Lartigue y las del Vietnam: "Ambas son dos versiones diferentes de fotografía documental".

O no tan curioso teniendo en cuenta cómo en la fotografía documental el ojo, la cámara, toma el papel de agresor, de intruso en las vidas ajenas, algo que la fotografía artística más canónica obvia en un proceso cuidadoso. La idea del fotógrafo como intruso es algo que retoman los artistas de los 80, llevándolo a sus máximas consecuencias, convirtiéndose incluso en intrusos de sus propias vidas inventadas.

De cualquier manera, tomar como punto de partida el medio utilizado para clasificar como "grupo" a un conjunto de artistas que tienen poco en común formalmente plantea muchos problemas. Nombres como James Welling, Lorna Simpson, Louise Lawler, Richard Prince, Barbara Kruger, Cindy Sherman o William Wegman se presentan tan dispares, al menos desde un punto de vista formal y hasta de estrategias, que resulta muy complicado verlos como grupo compacto.

Una parte de la crítica americana, siguiendo los modos de hacer de sus antecesores formalistas tan dados a inventar "movimientos", sale al paso diciendo que todos ellos, de uno u otro modo, presentan un posicionamiento político porque replantean todos los cánones, entre otros el estético, y se niegan a situarse dentro del paradigma.

Usan este medio porque son hijos de los 70 y porque, además, la fotografía es mucho más eficaz para cuestionar territorios como la autoría, la unicidad y la subjetividad. Lo que llama la atención de estas formas de arte es la recurrencia a la distorsión de las imágenes de los medios y, naturalmente, a una sorpresa de descontextualizaciones que es, por otro lado, muy mediática.

Robar iconos era algo que ya había hecho Rauschenberg Robert Rauschenberg Pintor estadounidense Port Arthur Texas , Su obra evoluciona desde un primer minimalismo hasta técnicas como el collage y el frottage.

Es el más importante representante del Neodadaismo. Más información y que retoman los que han sido bautizados como apropiacionistas, un guiño historicista para los que posean la noción de la historia, un guiño más a la crítica que al público.

De hecho, el modo con que proceden estos artistas es el siguiente: toman una foto de la foto de Walker Evans Fotografía y documento Para conocer las consecuencias del desastre económico del 29, la FSA envió fotógrafos entre y , a retratar la América rural.

Dorothea Lange, Ben Shahn y Walker Evans, entre otros, llevaron a cabo esta labor y consiguieron elocuentes documentos de la América profunda. Más información , por ejemplo, y la firman con su nombre.

Si el click, el acto de hacer la foto es lo importante, ellos son quienes lo hacen.

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